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Me gustaría saber cual es el mejor guitarrista de la Historia para la gente que pasa por o tocata. Si deseas participar en este encuesta sólo tienes que dejar un comentario en este post con los que son para ti los tres mejores guitarristas de la Historia (por orden, por favor).
La puntuación se otorgará en relación con la posición del guitarrista en la lista proporcionada por el participante en la encuesta, siendo la relación la siguiente: 1º - 3 puntos; 2º - 2 puntos; 3º - 1 punto
Eu voto por estos tres:
1º Jimi Hendrix - The Jimi Hendrix Experience 2º Jimmy Page - Led Zeppelin 3º John Fogerty - Creedence Clearwater Revival
Muchas gracias
La clasificación en estos momentos está de la siguiente manera: 8 puntos: Kirk Hammett
6 puntos: Jimi Hendrix
4 puntos: Jimmy Page, Slash
3 puntos: Paco de Lucía, Angus Young, Johnny Ramone
2 puntos: Carlos Santana, Ritchie Blackmore, James Hetfield
1 punto: Eddie Van Halen, John Fogerty, Gary Moore, Michael "Olga" Algar, Antonio Rayo "Rayito"
Para mí, uno de los discos más grandes realizados en toda la historia de la música, un álbum lleno de canciones cojonudas, desde Five Years hasta Rock 'N' Roll Suicide.
El disco en realidad se titula The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, algo así como, El ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte, es el disco más importante del Glam Rock, considerado como uno de los mejores y más influyentes en la historia del rock, publicándose en 1972 por David Bowie.
Este es un álbum conceptual que cuenta la historia de un extraterrestre que llega a La Tierra y se convierte en estrella de Rock (Ziggy Stardust) para advertir a los habitantes del planeta sobre el fin del mundo, que llegará en cinco años, hasta que finalmente termina por abandonar sus objetivos y acaba víctima de su propio éxito, viéndose inmerso en un mundo plagado de drogas y sexo.
En esta época Bowie, colabora en otros discos bastante importantes, produciendo Transformer de Lou Reed, All The Young Dudes (También toca el Saxo) de Mott The Hopple y mezclando Raw Power de Iggy & The Stooges. Como veis, el tío no paraba. El personaje de Ziggy Stardust, se inspiró en Vince Taylor, un excéntrico cantante de Rock 'N' Roll, a quien Bowie conoció personalmente en los 60, cuando este ya estaba bastante deteriorado por las drogas y el alcohol. Este había conseguido un gran éxito en el 59 con el single Brand New Cadillac, el cual versionaron The Clash. Salía a sus conciertos enfundado en cuero negro, maquillado y realizando movimientos bastante raros.
La andrógina imagen del personaje, se inspiró en el maquillaje y la puesta en escena del Kabuki (teatro tradicional japonés).
¿Por qué Ziggy? Hay varias teorías. Bowie al principio dijo que el nombre se inspiró en una sastrería de Londres llamada así, aunque después declaró a la revista Rolling Stone que lo escogió porque era el único nombre cristiano que empezaba con Z. Otra posibilidad puede ser la similitud del nombre con Iggy Pop, gran amigo suyo.
¿Y Stardust? Esto ya parece más claro. Bowie siempre ha dicho lo mismo en referencia a esto. Dijo que fue Stardust en dedicatoria a Norman Carl Odmon (cantante Country), el cual se presentaba como The Legendary Stardust Cowboy.
En la banda de acompañamiento, Spiders from Mars, el más destacado fue Mick Ronson, siendo clave en el gran sonido debido a su maestría con la guitarra, por la que es considerado uno de los mejores guitarristas de la historia.
Las fotografías que ilustran el álbum fueron tomadas por Brian Ward durante una noche lluviosa en la calle Heddon de Londres. Se realizaron en blanco y negro y se colorearon a mano.
Five Years, Ziggy anuncia que La Tierra está condenada a la destrucción en cinco años y decide cantar sobre ello para concienciar al mundo.
Soul Love, Ziggy descubre el amor que reina en este planeta, el amor hacia las personas queridas que han muerto (stone love), el romántico (new love) y el religioso (soul love).
Moonage Daydream, se presenta como el invasor del espacio que quiere salvar al mundo.
Starman, primer single del disco. Un niño le cuenta a otro que ha oído por radio a Ziggy y su mensaje de salvación.
It Ain't Easy, la única canción no compuesta por Bowie. Es una versión de un tema de Ron Davies (músico de Blues) que trata sobre las dificultades que hay en el camino hacia el estrellato.
Lady Stardust, Ziggy y la banda empiezan a tener un éxito increíble y las mujeres les persiguen.
Star, Ziggy comienza a ver que va a ser una estrella del Rock 'N' Roll.
Hang On to Yourself, Ziggy y los Spiders from Mars están en la cumbre del éxito y tienen a sus pies a muchas admiradoras que buscan relaciones sexuales con ellos.
Ziggy Stardust, comienza su decadencia y decide disolver The Spiders from Mars.
Suffragette City, deja de lado todos sus buenos propósitos, interesándose solamente por el sexo y las drogas.
Rock'n'Roll Suicide, Ziggy toca fondo. Se dice que los primeros versos de la canción están inspirados en un poema de Manuel Machado, cuyo primer verso es La vida es un cigarrillo...
David Bowie – Voz solista, guitarra acústica, saxofón y piano Mick Ronson – Guitarras, piano y coros Trevor Bolder – Bajo Mick Woodmansey – Batería
Ah! Os recomiendo encarecidamente que consigáis el concierto de este álbum, grabado el 3 de Julio de 1973 en el Hammersmith Odeon de Londres, es algo impresionante y casi inmejorable.
Ahí van algunos de temas de este disco, algunos de ellos son actuaciones de este concierto que os comento.
Le toca el turno al que para muchos es el mejor disco de la historia de música moderna, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Para comentar este disco, que mejor que lo haga un apasionado de The Beatles, pues, aunque a mí me gustan bastante tengo un gran amigo que si lo es, Kensing, él ha preparado los comentarios sobre este discazo.
Se han escrito muchas cosas acerca de la vida y obra de The Beatles, no pretendo contaros algo que seguramente ya habréis leído en alguna parte, simplemente mencionar su octavo álbum de estudio, una de sus obras más completas e influyentes y considerada por muchos, el mejor disco de la historia.
Fue a finales de 1966 cuando el grupo Británico, agotados de tanta gira y revuelta allá por donde iban (en Estados Unidos y Filipinas habían sido hasta amenazados), decidieron abandonar los directos y encerrarse en los estudios EMI en Abbey Road para grabar lo que sería su trabajo más innovador, que a la postre, influiría en casi todos los trabajos de Pop y Rock realizados con posterioridad a este. Era una época en la que tanto la opinión pública como los medios de comunicación se preguntaban donde se habían metido, o si ya estaban acabados. Nadie se imaginaba que la evolución del grupo había llegado hasta límites jamas vistos en el mundo de la música, superando incluso el mejor disco publicado hasta entonces Pet Sounds de los Beach Boys, el cual sirvió como aliciente para la banda, «Es el mejor disco vocal que se haya grabado nunca», exclamó McCartney cuando lo escuchó, «... es en realidad una obra maestra».
En principio el disco iba a plasmar vivencias personales y su título iba a ser Dr. Pepper, pero en Estados Unidos existía y todavía existe una bebida de cola que se llama así, y todo acabo como lo conocemos hoy, en el disco, The Beatles son una banda militar y el director es el Sgt. Pepper.
Sgt. Pepper's es un álbum conceptual donde las canciones prácticamente no se interrumpen o simplemente hay un instante muy leve de silencio. En su conjunto puede que las canciones no lleguen a la altura de las de Revolver y Rubber Soul (o quizás si, eso ya es para gustos), pero están mucho mas trabajadas. Las innumerables grabaciones, pista sobre pista y la utilización de equipos de grabación que hoy en día se consideran básicos, fueron una innovación ya introducida en el disco anterior, Revolver y también en la canción Penny Lane, o también en Strawberry Fields Forever.
Los Beatles utilizaron un vocabulario muy distinto al de I Want To Hold Your Hand o From me to you. Introducían frases no escasas de polémica, como "turn you on" (excitarte o ponerte ciego). A pesar de la tendencia de algunos a aportar demasiadas puntos de vistos en sus letras, no cabe duda de que las drogas impregnaron la esencia del álbum potenciada por el LSD, una droga que por entonces ya habían tomado los cuatro componentes de la banda. Por ejemplo en Lucy In The Sky With Diamonds de Lennon, se ha especulado que sus iniciales, LSD, coinciden con esta droga, aunque John ha dicho tantas veces que el título surgió de un dibujo que realizó su primer hijo Julian, que todo pudo ser una casualidad. Parece ser que el niño le enseñó a su padre un dibujo en el que una niña sonreía y sus ojos parecían piedras preciosas, y le dijo a su padre «Look dad, is Lucy, in the sky with diamonds» («Mira papá, es Lucy, en el cielo con diamantes»).
Hijo de la cultura pop, este álbum contribuyó a elevar todavía más el Pop Art. Durante un tiempo hizo furor, su portada fue reproducida hasta la saciedad en las revistas y su influencia se reflejó en películas de cine y televisión, en la decoración de interiores y en la moda. Esta portada contiene una cantidad de historias y curiosidades increíbles, como por ejemplo, que iban a aparecer Gandhi, Hitler y Jesucristo, a petición de Lennon, pero se cambió ya que poco antes este mismo, dijo «The Beatles son más populares que Cristo» y era mejor no meterse con las religiones ni ofender a hindúes, judíos y cristianos. A parte de esto, se habló de un mensaje oculto en ella, sobre la supuesta muerte de McCartney, ya que en la parte inferior parece haber una tumba adornada con flores y un bajo mirando al lado izquierdo (Paul es zurdo) y con solo 3 cuerdas, lo que significaría que faltaba un Beatle. Muchas especulaciones se han hecho, a parte de que sobre su cabeza está la palma de una mano abierta (como en otros discos) y en la contraportada está dando la espalda como en señal de irse.
La grabación del disco se realizó en los Estudios EMI, (3 Abbey Road, London NW8), entre el 6 de diciembre de 1966 y el 20 de abril de 1967.
John Lennon - voz, armonías y coros; guitarras rítmica, solista y acústica; bajo; piano y órgano Hammond; armónica, cintas, efectos de sonido y percusión.
Paul McCartney - voz, armonías y coros; bajo; guitarra solista acústica y eléctrica; piano, órgano Lowry y clavicémbalo; efectos de sonido y percusión.
George Harrison - voz, armonías y coros; guitarras rítmica, solista y acústica; bajo; cítara y tambora; armónica, y percusión.
Ringo Star: voz; batería y percusión; campanas tubulares, congas y armónica.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y With A Little Help From My Friends en un vídeo bastante divertido
Se une un nuevo colaborador a o tocata, un amante del heavy, Vicho, y nos comenta este álbum, icono del heavy metal.
También conocido como el Black Album (1991), por el color característico de su portada, estamos ante el 5º disco de esta banda californiana, el primero bajo la batuta del productor Bob Rock, productor que ya se había hecho un nombre con bandas como Mötley Crüe y Bon Jovi, curiosamente el estilo de bandas del que Metallica siempre había intentado distanciarse, lo cual dejaba entrever que la banda se disponía a dar un cierto giro a su orientación musical.
Los anteriores tres discos eran cada uno más progresivo que el anterior, cada uno tenía canciones más largas que el anterior, lo cual les llevó sin duda a plantearse que otro disco en esta dirección sería demasiado previsible, así que esta vez rompieron con esa tendencia y se sacaron de la manga una docena de canciones más cortas de lo que venían haciendo, plagadas de riffs con gancho, solos electrizantes y estribillos de lo más pegadizos, lo cual hacía de este álbum sin duda el más comercial de su carrera hasta la fecha, pero eso sí, sin perder el carácter netamente heavy que caracterizaba a la banda por aquel entonces. Se puede decir que la idea con este quinto álbum era conseguir un estilo mucho más básico, que cualquiera pudiese entender a la primera, sin necesidad de tener que ser una mente avanzada en el conocimiento del metal, lo cual les llevaría a alcanzar con este disco segmentos del público a los que jamás habían llegado, llegando a hacerse con el primer puesto en las listas americanas.
El álbum en si no tiene desperdicio, es uno de esos discos de obligada escucha para cualquier amante del hard rock y del heavy metal.
El comienzo ya es espectacular con Enter Sandman, primer single del disco, con una introducción de menos a más que te va atrapando hasta desembocar en el ritmo machacón que la caraceriza, además de contar con uno de los estribillos más logrados que ha sido capaz de crear la banda, cientos de veces coreado en sus conciertos. Le sigue Sad But True, un medio tiempo duro, con un ritmo machaca de esos que incitan a agitar las cabelleras al público, otra de las que no suelen faltar en ninguno de sus directos. El tercer corte es para Holier Than Thou, mucho más rápida que la anterior y en la que dejan entrever bien a las claras su pasado más “thrashero”. Después de semejante frenesí llega la primera balada del disco, The Unforgiven, segundo single de este disco, en la que entremezclan guitarras acústicas con eléctricas, además de contar con un majestuoso e impresionante solo a cargo de Kirk Hammett. A continuación llega el turno a Wherever I May Roam, otra de las que nunca faltan en sus conciertos, en la que James Hetfield se recrea a la voz, consiguiendo sin duda una de las canciones más completas y mejor ejecutadas del disco. El sexto corte es para Don’t Tread On Me, en la que bajan un poco el nivel para mi gusto, siendo en mi opinión la canción menos brillante del disco. Con Through The Never rápidamente se recupera el mejor nivel, con un riff de guitarra inicial cortante e implacable, siendo una de las canciones más rápidas y con un ritmo más trepidante de todo el álbum.
Después de esta tormenta sonora le llegará el turno a la canción más lenta, mas suave y más melódica que Metallica jamás había grabado hasta la fecha: Nothing Else Matters, tercer single del álbum, canción de amor acolchada por los cuarenta instrumentos de cuerda de una orquesta sinfónica, arreglos orquestales escritos por Michael Kamen, el mismo compositor que ocho años después dirigiría la Orquesta Sinfónica de San Francisco para grabar el disco en directo S&M, en el que Metallica interpretaría sus temas clásicos acompañados por dicha orquesta, inspirándose en el Concerto For Group And Orchestra de Deep Purple escrito por Jon Lord. Según cuenta James Hetfield, compuso esta canción en una habitación de un hotel canadiense y, cuando la terminó de componer, la tocó para Lars Ulrich para ver que opinaba, el cual quedó maravillado por la preciosa balada que acababa de crear su compañero de fatigas. Dado el carácter tan personal de esta canción, no sorprende que sea el propio James Hetfield el que ejecute el solo de guitarra, a pesar de que el teórico guitarra solista sea Kirk Hammett, convirtiéndose James de este modo en el protagonista absoluto de la canción, canción que tampoco falta nunca en los conciertos de Metallica, dando lugar a la correspondiente “mecherada”.
Tras este descanso de decibelios vuelve a subir la adrenalina con Of Wolf And Man, canción con otro ritmo machacón de los que abundan en este disco, y con un estribillo también pegadizo. El corte número diez es para The God That Failed, canción que nace a raíz de las inquietudes espirituales de James Hetfield, ya que sus padres le educaron estrictamente según la religión protestante de la Christian Science, convirtiéndole en un quinceañero algo confuso. Se acerca el final del disco, pero todavía hay tiempo para encontrarse con una joya como My Friend Of Misery, canción que a pesar de ser en mi opinión increíblemente brillante, no ha quedado en la historia de Metallica como el clásico que debería ser, y es un tema que nunca se deja ver en los conciertos de la banda, por raro que parezca. Empieza con una pequeña intro de bajo a cargo de Jason Newsted, y se va desarrollando con una desgarradora melancolía, alternando partes más duras con partes más melódicas; un tema completísimo en definitiva, para mi injustamente olvidado y no del todo valorado en su justa medida. La encargada de cerrar el disco es The Struggle Within, un tema trallero donde los halla, donde Metallica nos enseña su vena más thrash.
Estamos ante el disco más superventas de Metallica, que fue seguido de la gira más exitosa de su historia y que ha quedado por méritos propios grabado con letras de oro en la historia del rock y del metal. Se trata de un álbum ideal para iniciarse en el heavy metal dado el carácter pegadizo de todas sus canciones: precisamente por ello, por ser el primer disco de metal que escuché, ha sido el elegido para escribir mi primera crítica discográfica, así que si eres un amante de la música que todavía no se ha adentrado en los sonidos duros, este puede ser el álbum que te habra las puertas del infierno de par en par: ¡Bienvenido!
James Hetfield – Voz y guitarra rítmica Kirk Hammett – Guitarra solista Jason Newsted – Bajo Lars Ulrich – Batería
Wherever I May Roam
Nothing Else Matters
Autor: Vicho
Gracias meu, espero tu siguiente comentario, Vicho.
