o tocata

Appetite For Destruction - Guns N' Roses

2009-01-10T23:30:00.000+01:00

Antes de nada, sentimos la tardanza en publicar un nuevo artículo, pero las vacaciones son las vacaciones. Después de esto, empezamos el año con un gran disco, Appetite for Destruction, que fue el primer elepé de la banda Angelina, Guns N' Roses, publicado en 1987. Aunque la primera grabación de esta banda fue un mini-lp llamado Live Like a Suicide en 1986.

Este álbum, producido por Mike Clink, y mezclado por Steve Thompson y Michael Barbeiro, es un clásico del Hard Rock, un torrente de puro y auténtico hard rock, influenciado por la vieja escuela del Hard Rock americano de los setenta y ochenta, es decir, por bandas como Kiss, Aerosmith o Van Halen, entre otras. Imprescindible en cualquier colección de un buen melómano, además es el álbum de debut más vendido de la historia hasta el momento, pero en su primer año había vendido solamente 500 mil discos.

El disco no puede empezar mejor, ya que la canción que lo abre no es otra que Welcome To The Jungle, todo un clásico del Rock compuesta por Axl y Slash, y que además fue lanzada como primer single del álbum, siendo uno de sus temas más emblemáticos, en el que se refiere a la ciudad de Los Angeles como una jungla. Tras esta vendrá It's so easy, otro tema muy rockero y pegadizo, al que seguirá Nightrain, tema dedicado a una marca de vino barata llamada Night Train Express, que era habitualmente consumido por los miembros de la banda, por su bajo coste.

Los dos cortes siguientes corresponden a sendos temas de puro Hard Rock sin contemplaciones Out Ta Get Me y Mr. Brownstone, que es la tónica general de este álbum, ya que estamos hablando de un disco de Hard Rock de lo más sencillo y efectivo, sin grandes complicaciones ni pretensiones, habría que esperar a los Use Your Illusion para encontrarnos con estructuras musicales más complejas, hecho que por cierto fue uno de los motivos de abandono por parte de Izzy Stradlin, que tenía dificultades para aprenderse las composiciones cada vez más complicadas de Slash.

El siguiente corte es para Paradise City, otro de sus clásicos más famosos e imprescindibles, con un fantástico riff de Slash, y con un estribillo memorable. Esta canción ha sido empleada en innumerables ocasiones para cerrar sus conciertos, dado su carácter claramente festivo. A continuación le llega el turno a My Michelle, escrita por Axl e IzzyStradlin, canción dedicada a Michelle Young, una amiga de los miembros de la banda, en la que se describe su vida, incluidos sus puntos más negros, como su adicción a las drogas.

Tras Think About You, uno de los temas más rápidos del disco, vendrá Sweet Child O' Mine, el hit más emblemático de todo el repertorio de la banda, que además es la canción más melódica del álbum, sin llegar a ser una balada. La canción esta basada en un riff genial de Slash, aunque él mismo reconoció que jamás pensó que se convertiría en un riff que pasaría a la historia del Rock, ya que surgió de forma casi improvisada durante el descanso de un ensayo, tocado a modo de broma, al que se le añadiría un gran solo del propio Slash, dando como resultado una pieza imprescindible que ha quedado grabada con letras de oro en la historia del Rock.

Después vendrá un tema rápido y rockero como You're Crazy, que dará paso a otro tema sencillo, aunque algo menos inspirado, llamado Anything Goes. La encargada de cerrar el disco será Rocket Queen, una canción mucho más larga y compleja que la mayor parte de las canciones de este disco, pero sin perder la frescura rockera de este álbum.

La portada original del disco es la que mostramos en la cabecera de este artículo. Tras la publicación del disco, la cadena MTV se nego a poner vídeos de la banda, porque la portada, basada en una pintura de Robert Williams, mostraba un robot violador, lo cual fue considerado ofensivo por la cadena televisiva. La banda cambio entonces la cubierta, y puso la original dentro del disco, mostrando ahora un crucifijo con los cráneos de los cinco miembros de la banda, del estilo de las portadas de los álbumes de Grateful Dead. Esto no fue suficiente para MTV, y la cadena continuó con su bloqueo. Finalmente, David Geffen, entonces presidente de Geffen Records, llamó a MTV y rogó que mostraran el vídeo de Welcome To The Jungle. MTV accedió a mostrarlo sólo un domingo a las 2 de la madrugada. La canción llegó a ser la canción más solicitada en MTV en sólo 24 horas.

Se puede concluir diciendo que estamos ante un disco que, a pesar de haber sido editado en 1987, tiene un sabor claramente setentero, muy del gusto de los miembros de la banda. Sin embargo, sin haber inventado nada nuevo realmente, fueron capaces de crear en este disco un sinfín de auténticos himnos del Rock, que ya son tanto o más legendarios que muchos de los clásicos que inspiraron a Slash y compañía, por lo que merecen estar entre las bandas más grandes que ha dado el Hard Rock, un valor seguro, un clásico que nunca pasará de moda.

Appetite for Destruction es de esos discos que aunque lo escuches todos los días del año, aunque a lo largo de tu vida ya lo hayas escuchado mil veces, nunca te cansara siempre estarás ansioso de que empiecen a sonar sus guitarras y a escuchar sus melodías pegadizas.

Axl Rose - Voz solista
Saul "Slash" Hudson - Guitarra solista
Izzy Stradlin - Guitarra rítmica y coros
Duff McKagan - Bajo y coros
Steven Adler - Batería y percusión

Aquí van unos vídeos del albúm:

Welcome To The Jungle

Paradise City en directo

Sweet Child O' Mine

Autores: Vicho, Hendrixo y Ramblin' Man

El mejor cantante Rock de la Historia

2008-12-14T11:01:00.010+01:00

Como ya tenemos la encuesta del mejor guitarrista de Historia, ahora abrimos la siguiente, el mejor cantante Rock de la Historia para la gente que pasa por este humilde blog. Si deseas participar en este encuesta sólo tienes que dejar un comentario en este post con los que son para ti los tres mejores.

La puntuación se otorgará en relación con la posición del cantante en la lista proporcionada por el participante en la encuesta, siendo la relación la siguiente: 1º - 3 puntos; 2º - 2 puntos; 3º - 1 punto

Los míos son estos:

1º Freddie Mercury - Queen
2º Paul Rodgers - Bad Company, Free, ...
3º Robert Plant - Led Zeppelin

Muchas gracias

La clasificación en estos momentos está de la siguiente manera:

6 puntos: Freddie Mercury

3 puntos: Roy Orbison, Tim "Ripper" Owens, Enrique Bunbury

2 puntos: Paul Rodgers, Brian Johnson, Joey Ramone, Eric Adams, Carlos Tarque

1 punto: Robert Plant, Mick Jagger, Bruce Dickinson, Frankie Valli, Ramón Lage

David Bowie y su ojo izquierdo

2008-12-11T20:29:00.011+01:00

Bueno hoy empezamos una nueva sección en o tocata, ¿Sabias qué ...?, en está sección comentaremos anécdotas y curiosidades del mundo de la música. Espero que os guste.

Empezamos con un ¿Sabias qué ...? de David Bowie, supongo que sabías que este tiene un ojo diferente al otro, pero ¿ sabías el por qué?

Pues es debido a que en su juventud, durante una pelea por una chica, uno de sus mejores amigos, George Underwood, le sacudió un puñetazo en su ojo izquierdo. Este puñetazo le causó una parálisis en los músculos de su pupila y una heterocromía, cambiando el color de su iris de azul a verde-gris.

Por cierto, estos dos chicos no dejaron de ser amigos. Incluso George, que después trabajó como diseñador gráfico en Pye Records, empresa encargada de realizar la portada de los primeros discos de Bowie (Space Oddity, Hunky Dory y The Rise & Fall of Ziggy Stardust), participó en ellas directamente, apareciendo en los créditos de alguno de estos elepés.

Underwood participó en otras portadas de la época, pulsa aquí para verlas.

The Final Countdown - Europe

2008-12-02T23:43:00.005+01:00

Hoy toca uno de los clásicos de mi infancia, y digo esto porque cuando se editó el menda tenía 7 añitos, The Final Countdown de Europe, publicado en 1986, muchas veces canté ese estribillo del tema homónimo del disco o más bien lo intentaba, porque cantaba algo así como, is tufanenun chonchain, y tarareaba la intro de teclado tan característica de este tema con aires futuristas. Aunque los temas que más me gustan del disco con el paso de los años son otros, como Rock The Night, Cherokee, etc...

Para el que no lo sepa, Europe es un banda sueca, fundada en 1979 bajo el nombre de Force por Joey Tempest y John Norum.

El álbum es bastante regular, mantiene casi siempre la misma intensidad y calidad, aunque no es un super álbum está bastante bien. Empieza con The Final Countdown, el tema más mítico de este, ha sido tres veces platino, con su famosa intro de teclados antes comentada y su estribillo. La letra habla sobre abandonar La Tierra e ir a Venus confiando en que los habitantes del segundo nos acojan.

El segundo corte, Rock The Night, para mi el mejor del disco, buen solo de guitarra, mejor batería, la voz de Tempest muy bien como siempre, tema de gran ritmo y fuerza. Después nos llega Carrie, balada típica que no falta en cualquier álbum de una banda Heavy que se precie, bonita y una de las baladas más famosas. Sigue con Danger On The Track, tema que no llega a la calidad del anterior pero tiene un buen ritmo y tiene un estribillo bastante coreable. El quinto tema, Ninja, tema de bastante calidad, un poco más complejo y completo que la mayoría de temas del álbum.

Ahora toca Cherokee, otro gran tema, creo que está casi a la misma altura de Rock The Night, con muy buena interpretación de Tempest. Y seguimos con Time Has Come, otra balada, pero está baja un poco la calidad con respecto de Carrie. Las siguientes y últimas, Heart Of Stone, On The Loose, Love Chaser, a mi parecer son las más flojas del disco, no tienen nada destacable con respecto de las anteriores, pero son escuchables y un buen relleno para el álbum.

John Norum dejó la banda después de la edición de este álbum y antes de que surgieran los éxito del mismo. No estaba satisfecho con la producción basada en teclados, ni con la clara tendencia de comercialización a la que apuntaba la banda por culpa de la discográfica.

Europe reapareció en el 2004 con un nuevo disco, demostrando que tienen una gran calidad artística e instrumental, en el 2006 volvieron a sacar otro, Secret Society, y en el 2008 han editado un unplugged.

Joey Tempest - Vocalista
John Norum - Guitarra
John Leven - Bajo
Mic Michaeli - Teclados
Ian Haugland - Batería

Aquí van unos vídeos del álbum.

The Final Countdown

Pincha aquí para ver el vídeo original.

Rock The Night

Pincha aquí para ver el vídeo original.

Cherokee

Pincha aquí para ver el vídeo original.

Siento no dejar todos los vídeos incrustados, pero es que en youtube los buenos están capados por Sony/BMG y no se pueden incrustrar en otras webs.

1987 - Whitesnake

2008-11-29T01:43:00.013+01:00

Noveno disco de estudio de esta banda británica de hard rock de fuerte raíz blues, liderada por el fantástico vocalista David Coverdale, que había formado parte de Deep Purple entre 1973 y 1976, y que posteriormente fundaría Whitesnake en 1978, banda creada a su imagen y semejanza dando rienda suelta a sus gustos musicales más blueseros.

Este disco que nos ocupa, en concreto, es tal vez el más alejado de la tradicional orientación bluesera de Whitesnake, ya que se adentra en el hard rock más convencional y comercial que dominaba la escena rockera de mediados de los ochenta, lo cual les sirvió sin duda para cosechar el mayor éxito en ventas de su carrera.

El disco comienza con la fuerza de Still Of The Night donde David Coverdale se luce a la voz, canción a la que sigue Bad Boys, otra canción muy rockera y movida, con un estribillo de esos que tanto gusta corear en los conciertos. El tercer corte del disco es para la comercial Give Me All Your Love, que bien la podían haber firmado los propios Kiss, al tratarse de una canción tremendamente pegadiza y de puro rock comercial.

Mención aparte merece la cuarta canción del disco: Looking For Love, tremenda balada que comienza con un David Coverdale casi susurrando y que va cogiendo fuerza hasta desembocar en un estribillo realmente emocionante. A pesar de empezar en modo balada va derivando en partes más rockeras hasta alcanzar el momento cumbre con un impresionante solo de John Sykes, que comienza de un modo lento y atmosférico, hasta enlazar de nuevo con el gran estribillo de esta canción, tras el cual vuelve a dar rienda suelta a su talento como guitarrista para finalizar el tema.

Tras Crying In The Rain, es una versión del tema de su álbum de 1982, Saints and sinners, un medio tiempo hard rockero, donde David Coverdale se vuelve a recrear en su labor vocal, le llegará el turno al hit nº 1 de Whitesnake, su canción más conocida, cientos de veces pinchada en innumerables emisoras de radio: Is This Love. Como se puede dejar entrever por su título, se trata de una balada, muy del estilo de las grandes baladas que tanto se acostumbraban a grabar en los ochenta por casi todas las bandas de hard rock. En esta canción vuelve a brillar con luz propia David Coverdale, que demuestra su gran nivel a lo largo de todo el álbum.

Con Straight For The Herat se vuelve a imprimir algo de velocidad rockera, tras el paréntesis más tranquilo que supuso Is This Love, mientras que con Don´t Turn Away vuelve a levantarse un poco el pie del acelerador, al tratarse de una canción más bien tranquila, aunque sin llegar a la categoría de balada. Mucho más fuerte y rockera es Children Of The Night, con unos riffs bastante más agresivos por parte de John Sykes.

El décimo corte es para Here I Go Again, también es una versión del álbum, Saints and sinners, otra de sus canciones más conocidas y, en mi opinión, una de las mejores del disco, junto con Looking For Love e Is This Love, siendo una canción ideal para los conciertos, con un estribillo de los que gusta corear a cualquier público.

El álbum lo cierra You´re Gonna Break My Heart Again, otro buen tema de hard rock pegadizo de los que abundan en todo el disco.

Podemos concluir diciendo que 1987 se trata de un disco de puro Hard Rock ochentero, con clara vocación comercial, al tratarse de un álbum repleto de melodías pegadizas y grandes estribillos, además de tratarse de un rock nada estridente y por lo tanto apto para todos los públicos, sin necesidad de tener que ser un rockero super duro para resistir su escucha, dado que el nivel de sus composiciones es tan alto (todas a cargo de Coverdale y Sykes) que puede resultar agradable para cualquier oído con un mínimo de buen gusto musical.

Una nota de interés es que el álbum fue publicado en dos versiones: la americana, donde el álbum se tituló Whitesnake, el color de la portada fue diferente, donde desaparecen los temas Looking for love y You’re gonna break my heart again y el orden de los temas es diferente a la versión europea, la comentada en este artículo, titulada 1987.

David Coverdale – Voz
John Sykes – Guitarra
Neil Murray – Bajo
Aynsley Dunbar – Batería

Os dejamos unos vídeos del álbum.

Still Of The Night

Is This Love

Here I Go Again

Autor: Vicho

Lo sentimos

2008-11-28T23:32:00.004+01:00

Sentimos los problemas que ha habido esta semana para los usuarios de otros navegadores que no fueran Firefox, ya que un error del que les redacta esta nota de disculpa, provocó que en estos navegadores no se viera gran parte de la página.

Muchas gracias y esperamos su comprensión.

El mejor guitarrista de la Historia

2008-11-18T21:50:00.022+01:00

Me gustaría saber cual es el mejor guitarrista de la Historia para la gente que pasa por o tocata. Si deseas participar en este encuesta sólo tienes que dejar un comentario en este post con los que son para ti los tres mejores guitarristas de la Historia (por orden, por favor).

La puntuación se otorgará en relación con la posición del guitarrista en la lista proporcionada por el participante en la encuesta, siendo la relación la siguiente: 1º - 3 puntos; 2º - 2 puntos; 3º - 1 punto

Eu voto por estos tres:

1º Jimi Hendrix - The Jimi Hendrix Experience
2º Jimmy Page - Led Zeppelin
3º John Fogerty - Creedence Clearwater Revival

Muchas gracias

La clasificación en estos momentos está de la siguiente manera:

8 puntos: Kirk Hammett

6 puntos: Jimi Hendrix

4 puntos: Jimmy Page, Slash

3 puntos: Paco de Lucía, Angus Young, Johnny Ramone

2 puntos: Carlos Santana, Ritchie Blackmore, James Hetfield

1 punto: Eddie Van Halen, John Fogerty, Gary Moore, Michael "Olga" Algar, Antonio Rayo "Rayito"

Ziggy Stardust - David Bowie

2008-11-17T21:20:00.006+01:00

Para mí, uno de los discos más grandes realizados en toda la historia de la música, un álbum lleno de canciones cojonudas, desde Five Years hasta Rock 'N' Roll Suicide.

El disco en realidad se titula The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, algo así como, El ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte, es el disco más importante del Glam Rock, considerado como uno de los mejores y más influyentes en la historia del rock, publicándose en 1972 por David Bowie.

Este es un álbum conceptual que cuenta la historia de un extraterrestre que llega a La Tierra y se convierte en estrella de Rock (Ziggy Stardust) para advertir a los habitantes del planeta sobre el fin del mundo, que llegará en cinco años, hasta que finalmente termina por abandonar sus objetivos y acaba víctima de su propio éxito, viéndose inmerso en un mundo plagado de drogas y sexo.

En esta época Bowie, colabora en otros discos bastante importantes, produciendo Transformer de Lou Reed, All The Young Dudes (También toca el Saxo) de Mott The Hopple y mezclando Raw Power de Iggy & The Stooges. Como veis, el tío no paraba.

El personaje de Ziggy Stardust, se inspiró en Vince Taylor, un excéntrico cantante de Rock 'N' Roll, a quien Bowie conoció personalmente en los 60, cuando este ya estaba bastante deteriorado por las drogas y el alcohol. Este había conseguido un gran éxito en el 59 con el single Brand New Cadillac, el cual versionaron The Clash. Salía a sus conciertos enfundado en cuero negro, maquillado y realizando movimientos bastante raros.

La andrógina imagen del personaje, se inspiró en el maquillaje y la puesta en escena del Kabuki (teatro tradicional japonés).

¿Por qué Ziggy?
Hay varias teorías. Bowie al principio dijo que el nombre se inspiró en una sastrería de Londres llamada así, aunque después declaró a la revista Rolling Stone que lo escogió porque era el único nombre cristiano que empezaba con Z. Otra posibilidad puede ser la similitud del nombre con Iggy Pop, gran amigo suyo.

¿Y Stardust?
Esto ya parece más claro. Bowie siempre ha dicho lo mismo en referencia a esto. Dijo que fue Stardust en dedicatoria a Norman Carl Odmon (cantante Country), el cual se presentaba como The Legendary Stardust Cowboy.

En la banda de acompañamiento, Spiders from Mars, el más destacado fue Mick Ronson, siendo clave en el gran sonido debido a su maestría con la guitarra, por la que es considerado uno de los mejores guitarristas de la historia.

Las fotografías que ilustran el álbum fueron tomadas por Brian Ward durante una noche lluviosa en la calle Heddon de Londres. Se realizaron en blanco y negro y se colorearon a mano.

Five Years, Ziggy anuncia que La Tierra está condenada a la destrucción en cinco años y decide cantar sobre ello para concienciar al mundo.

Soul Love, Ziggy descubre el amor que reina en este planeta, el amor hacia las personas queridas que han muerto (stone love), el romántico (new love) y el religioso (soul love).

Moonage Daydream, se presenta como el invasor del espacio que quiere salvar al mundo.

Starman, primer single del disco. Un niño le cuenta a otro que ha oído por radio a Ziggy y su mensaje de salvación.

It Ain't Easy, la única canción no compuesta por Bowie. Es una versión de un tema de Ron Davies (músico de Blues) que trata sobre las dificultades que hay en el camino hacia el estrellato.

Lady Stardust, Ziggy y la banda empiezan a tener un éxito increíble y las mujeres les persiguen.

Star, Ziggy comienza a ver que va a ser una estrella del Rock 'N' Roll.

Hang On to Yourself, Ziggy y los Spiders from Mars están en la cumbre del éxito y tienen a sus pies a muchas admiradoras que buscan relaciones sexuales con ellos.

Ziggy Stardust, comienza su decadencia y decide disolver The Spiders from Mars.

Suffragette City, deja de lado todos sus buenos propósitos, interesándose solamente por el sexo y las drogas.

Rock'n'Roll Suicide, Ziggy toca fondo. Se dice que los primeros versos de la canción están inspirados en un poema de Manuel Machado, cuyo primer verso es La vida es un cigarrillo...

David Bowie – Voz solista, guitarra acústica, saxofón y piano
Mick Ronson – Guitarras, piano y coros
Trevor Bolder – Bajo
Mick Woodmansey – Batería

Ah! Os recomiendo encarecidamente que consigáis el concierto de este álbum, grabado el 3 de Julio de 1973 en el Hammersmith Odeon de Londres, es algo impresionante y casi inmejorable.

Ahí van algunos de temas de este disco, algunos de ellos son actuaciones de este concierto que os comento.

Moonage Daydream

Lady Stardust

Ziggy Stardust

Rock'n'Roll Suicide

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - The Beatles

2008-11-09T12:15:00.002+01:00

Le toca el turno al que para muchos es el mejor disco de la historia de música moderna, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Para comentar este disco, que mejor que lo haga un apasionado de The Beatles, pues, aunque a mí me gustan bastante tengo un gran amigo que si lo es, Kensing, él ha preparado los comentarios sobre este discazo.

Se han escrito muchas cosas acerca de la vida y obra de The Beatles, no pretendo contaros algo que seguramente ya habréis leído en alguna parte, simplemente mencionar su octavo álbum de estudio, una de sus obras más completas e influyentes y considerada por muchos, el mejor disco de la historia.

Fue a finales de 1966 cuando el grupo Británico, agotados de tanta gira y revuelta allá por donde iban (en Estados Unidos y Filipinas habían sido hasta amenazados), decidieron abandonar los directos y encerrarse en los estudios EMI en Abbey Road para grabar lo que sería su trabajo más innovador, que a la postre, influiría en casi todos los trabajos de Pop y Rock realizados con posterioridad a este.

Era una época en la que tanto la opinión pública como los medios de comunicación se preguntaban donde se habían metido, o si ya estaban acabados. Nadie se imaginaba que la evolución del grupo había llegado hasta límites jamas vistos en el mundo de la música, superando incluso el mejor disco publicado hasta entonces Pet Sounds de los Beach Boys, el cual sirvió como aliciente para la banda, «Es el mejor disco vocal que se haya grabado nunca», exclamó McCartney cuando lo escuchó, «... es en realidad una obra maestra».

En principio el disco iba a plasmar vivencias personales y su título iba a ser Dr. Pepper, pero en Estados Unidos existía y todavía existe una bebida de cola que se llama así, y todo acabo como lo conocemos hoy, en el disco, The Beatles son una banda militar y el director es el Sgt. Pepper.

Sgt. Pepper's es un álbum conceptual donde las canciones prácticamente no se interrumpen o simplemente hay un instante muy leve de silencio. En su conjunto puede que las canciones no lleguen a la altura de las de Revolver y Rubber Soul (o quizás si, eso ya es para gustos), pero están mucho mas trabajadas. Las innumerables grabaciones, pista sobre pista y la utilización de equipos de grabación que hoy en día se consideran básicos, fueron una innovación ya introducida en el disco anterior, Revolver y también en la canción Penny Lane, o también en Strawberry Fields Forever.

Los Beatles utilizaron un vocabulario muy distinto al de I Want To Hold Your Hand o From me to you. Introducían frases no escasas de polémica, como "turn you on" (excitarte o ponerte ciego). A pesar de la tendencia de algunos a aportar demasiadas puntos de vistos en sus letras, no cabe duda de que las drogas impregnaron la esencia del álbum potenciada por el LSD, una droga que por entonces ya habían tomado los cuatro componentes de la banda. Por ejemplo en Lucy In The Sky With Diamonds de Lennon, se ha especulado que sus iniciales, LSD, coinciden con esta droga, aunque John ha dicho tantas veces que el título surgió de un dibujo que realizó su primer hijo Julian, que todo pudo ser una casualidad. Parece ser que el niño le enseñó a su padre un dibujo en el que una niña sonreía y sus ojos parecían piedras preciosas, y le dijo a su padre «Look dad, is Lucy, in the sky with diamonds» («Mira papá, es Lucy, en el cielo con diamantes»).

Hijo de la cultura pop, este álbum contribuyó a elevar todavía más el Pop Art. Durante un tiempo hizo furor, su portada fue reproducida hasta la saciedad en las revistas y su influencia se reflejó en películas de cine y televisión, en la decoración de interiores y en la moda. Esta portada contiene una cantidad de historias y curiosidades increíbles, como por ejemplo, que iban a aparecer Gandhi, Hitler y Jesucristo, a petición de Lennon, pero se cambió ya que poco antes este mismo, dijo «The Beatles son más populares que Cristo» y era mejor no meterse con las religiones ni ofender a hindúes, judíos y cristianos. A parte de esto, se habló de un mensaje oculto en ella, sobre la supuesta muerte de McCartney, ya que en la parte inferior parece haber una tumba adornada con flores y un bajo mirando al lado izquierdo (Paul es zurdo) y con solo 3 cuerdas, lo que significaría que faltaba un Beatle. Muchas especulaciones se han hecho, a parte de que sobre su cabeza está la palma de una mano abierta (como en otros discos) y en la contraportada está dando la espalda como en señal de irse.

La grabación del disco se realizó en los Estudios EMI, (3 Abbey Road, London NW8), entre el 6 de diciembre de 1966 y el 20 de abril de 1967.

John Lennon - voz, armonías y coros; guitarras rítmica, solista y acústica; bajo; piano y órgano Hammond; armónica, cintas, efectos de sonido y percusión.

Paul McCartney - voz, armonías y coros; bajo; guitarra solista acústica y eléctrica; piano, órgano Lowry y clavicémbalo; efectos de sonido y percusión.

George Harrison - voz, armonías y coros; guitarras rítmica, solista y acústica; bajo; cítara y tambora; armónica, y percusión.

Ringo Star: voz; batería y percusión; campanas tubulares, congas y armónica.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y With A Little Help From My Friends en un vídeo bastante divertido

Lucy In The Sky With Diamonds

A Day In The Life

Autor: Kensing

Gracias amigo.

Metallica - Metallica

2008-11-08T23:51:00.005+01:00

Se une un nuevo colaborador a o tocata, un amante del heavy, Vicho, y nos comenta este álbum, icono del heavy metal.

También conocido como el Black Album (1991), por el color característico de su portada, estamos ante el 5º disco de esta banda californiana, el primero bajo la batuta del productor Bob Rock, productor que ya se había hecho un nombre con bandas como Mötley Crüe y Bon Jovi, curiosamente el estilo de bandas del que Metallica siempre había intentado distanciarse, lo cual dejaba entrever que la banda se disponía a dar un cierto giro a su orientación musical.

Los anteriores tres discos eran cada uno más progresivo que el anterior, cada uno tenía canciones más largas que el anterior, lo cual les llevó sin duda a plantearse que otro disco en esta dirección sería demasiado previsible, así que esta vez rompieron con esa tendencia y se sacaron de la manga una docena de canciones más cortas de lo que venían haciendo, plagadas de riffs con gancho, solos electrizantes y estribillos de lo más pegadizos, lo cual hacía de este álbum sin duda el más comercial de su carrera hasta la fecha, pero eso sí, sin perder el carácter netamente heavy que caracterizaba a la banda por aquel entonces.

Se puede decir que la idea con este quinto álbum era conseguir un estilo mucho más básico, que cualquiera pudiese entender a la primera, sin necesidad de tener que ser una mente avanzada en el conocimiento del metal, lo cual les llevaría a alcanzar con este disco segmentos del público a los que jamás habían llegado, llegando a hacerse con el primer puesto en las listas americanas.

El álbum en si no tiene desperdicio, es uno de esos discos de obligada escucha para cualquier amante del hard rock y del heavy metal.

El comienzo ya es espectacular con Enter Sandman, primer single del disco, con una introducción de menos a más que te va atrapando hasta desembocar en el ritmo machacón que la caraceriza, además de contar con uno de los estribillos más logrados que ha sido capaz de crear la banda, cientos de veces coreado en sus conciertos. Le sigue Sad But True, un medio tiempo duro, con un ritmo machaca de esos que incitan a agitar las cabelleras al público, otra de las que no suelen faltar en ninguno de sus directos. El tercer corte es para Holier Than Thou, mucho más rápida que la anterior y en la que dejan entrever bien a las claras su pasado más “thrashero”. Después de semejante frenesí llega la primera balada del disco, The Unforgiven, segundo single de este disco, en la que entremezclan guitarras acústicas con eléctricas, además de contar con un majestuoso e impresionante solo a cargo de Kirk Hammett. A continuación llega el turno a Wherever I May Roam, otra de las que nunca faltan en sus conciertos, en la que James Hetfield se recrea a la voz, consiguiendo sin duda una de las canciones más completas y mejor ejecutadas del disco. El sexto corte es para Don’t Tread On Me, en la que bajan un poco el nivel para mi gusto, siendo en mi opinión la canción menos brillante del disco. Con Through The Never rápidamente se recupera el mejor nivel, con un riff de guitarra inicial cortante e implacable, siendo una de las canciones más rápidas y con un ritmo más trepidante de todo el álbum.

Después de esta tormenta sonora le llegará el turno a la canción más lenta, mas suave y más melódica que Metallica jamás había grabado hasta la fecha: Nothing Else Matters, tercer single del álbum, canción de amor acolchada por los cuarenta instrumentos de cuerda de una orquesta sinfónica, arreglos orquestales escritos por Michael Kamen, el mismo compositor que ocho años después dirigiría la Orquesta Sinfónica de San Francisco para grabar el disco en directo S&M, en el que Metallica interpretaría sus temas clásicos acompañados por dicha orquesta, inspirándose en el Concerto For Group And Orchestra de Deep Purple escrito por Jon Lord. Según cuenta James Hetfield, compuso esta canción en una habitación de un hotel canadiense y, cuando la terminó de componer, la tocó para Lars Ulrich para ver que opinaba, el cual quedó maravillado por la preciosa balada que acababa de crear su compañero de fatigas. Dado el carácter tan personal de esta canción, no sorprende que sea el propio James Hetfield el que ejecute el solo de guitarra, a pesar de que el teórico guitarra solista sea Kirk Hammett, convirtiéndose James de este modo en el protagonista absoluto de la canción, canción que tampoco falta nunca en los conciertos de Metallica, dando lugar a la correspondiente “mecherada”.

Tras este descanso de decibelios vuelve a subir la adrenalina con Of Wolf And Man, canción con otro ritmo machacón de los que abundan en este disco, y con un estribillo también pegadizo. El corte número diez es para The God That Failed, canción que nace a raíz de las inquietudes espirituales de James Hetfield, ya que sus padres le educaron estrictamente según la religión protestante de la Christian Science, convirtiéndole en un quinceañero algo confuso. Se acerca el final del disco, pero todavía hay tiempo para encontrarse con una joya como My Friend Of Misery, canción que a pesar de ser en mi opinión increíblemente brillante, no ha quedado en la historia de Metallica como el clásico que debería ser, y es un tema que nunca se deja ver en los conciertos de la banda, por raro que parezca. Empieza con una pequeña intro de bajo a cargo de Jason Newsted, y se va desarrollando con una desgarradora melancolía, alternando partes más duras con partes más melódicas; un tema completísimo en definitiva, para mi injustamente olvidado y no del todo valorado en su justa medida. La encargada de cerrar el disco es The Struggle Within, un tema trallero donde los halla, donde Metallica nos enseña su vena más thrash.

Estamos ante el disco más superventas de Metallica, que fue seguido de la gira más exitosa de su historia y que ha quedado por méritos propios grabado con letras de oro en la historia del rock y del metal. Se trata de un álbum ideal para iniciarse en el heavy metal dado el carácter pegadizo de todas sus canciones: precisamente por ello, por ser el primer disco de metal que escuché, ha sido el elegido para escribir mi primera crítica discográfica, así que si eres un amante de la música que todavía no se ha adentrado en los sonidos duros, este puede ser el álbum que te habra las puertas del infierno de par en par: ¡Bienvenido!

James Hetfield – Voz y guitarra rítmica
Kirk Hammett – Guitarra solista
Jason Newsted – Bajo
Lars Ulrich – Batería

Wherever I May Roam

Nothing Else Matters

Autor: Vicho

Gracias meu, espero tu siguiente comentario, Vicho.

Led Zeppelin III - Led Zeppelin

2008-11-05T00:28:00.006+01:00

Otro de mis favoritos es este disco, el tercero de Led Zeppelin, el más Folk, acústico y tranquilo, que dejo a sus fans un poco descentrados en el momento de su publicación, el 5 de Octubre de 1970.

El álbum está dividido en dos caras bastante diferentes. La cara A, contiene Rock duro de alto voltaje y Blues, pero la cara B solamente tiene temas Folk y acústicos. Tras los dos primeros discos de la banda, totalmente rockeros y duros, la crítica, esperaba algo similar, y en principio no acogió muy bien este álbum, pero este disco salto directo al número 1 de las listas británicas.

La explicación a que este disco cambiará tanto con respecto de sus predecesores, es que Jimmy Page y Robert Plant se habían retirado a una granja en Gales para descansar de las giras y el éxito que habían obtenido con el segundo disco. En ella, trabajaron en algunas canciones influidas totalmente por la atmósfera campestre. Los guiños al Country y la guitarra de doce cuerdas son utlizados en Tangerine, con lo que parece un anticipo a Stairway To Heaven.

Con este álbum la banda dejo claro que podían ser capaces de hacer más cosas que tocar canciones duras llenas de riffs y solos, realizando temas de una sensibilidad y sutileza musical increíbles.

La portada es preciosa, mucho más alegre y atrevida que las anteriores, tiene una clara influencia hippy. En la edición en vinilo, contiene unos agujeros, y debajo una ruleta que puedes girar e ir cambiando el fondo de esos agujeros, precioso.

Jimmy Page - Guitarra acústica, eléctrica, pedales, segundo vocalista
Robert Plant - Vocalista y armónica
John Paul Jones - Bajo, órgano, mandolina, segundo vocalista
John Bonham - Percusión, segundo vocalista

Como siempre dejo unos vídeos, todos en directo, para el deleite de los lectores.

Immigrant Song

Since I've been Loving you

That's The Way

Y, mi preferida Tangerine (Plant comenta de que va el tema)

A nod is as good as a wink... to a blind horse - Faces

2008-11-03T19:15:00.024+01:00

Este es el tercer álbum de Faces, su título significa "un saludo con la cabeza es tan bueno como un guiño... para un caballo ciego". El disco fue publicado a finales del año de 1971 y se colocó en el número 2 de ventas en Gran Bretaña y 6º en Estados Unidos.

Faces, por si alguien no lo sabe, fue el grupo que Rod Stewart tenía antes y durante sus primeros años de carrera en solitario y de Ronnie Wood que posteriormente se uniría a las filas de los Rolling Stones.

El éxito de este álbum fue en parte producido por el super éxito de Every Picture Tells a Story, álbum editado con anterioridad a A nod is..., y realizado por Rod Stewart en solitario, el cual lo convirtió en una mega estrella, gracias a canciones como Maggie May, que se incluía en el mismo.

A nod is... contiene el tema Stay With Me, compuesto a medias por Ronnie y Rod, es un clásico entre los clásicos, potente, con maravillosos riffs y como no, con la voz de Rod.

Además, en este disco colaboraron todos los miembros como compositores, menos en el último tema, ya que es una versión de Memphis del gran maestro Chuck Berry.

Rod Stewart - voz
Ron Wood - guitarra
Ian McLagan - teclado
Kenny Jones - batería
Ronnie Lane - bajo

Aquí os dejo una actuación en directo de Faces tocando Stay With Me.

Jailbreak - Thin Lizzy

2008-11-01T09:09:00.029+01:00

El grupo que realizó este álbum, Thin Lizzy, los descubrí gracias a un gran amigo (saludos Vil). Un día me comentó que podíamos asistir a un concierto de un grupo llamado Lienot que hacía versiones de Thin Lizzy, pero yo no tenía ni idea de quien eran esos Thin Lizzy, él, me dijo que, ¿como no los conocía?. Bueno pues esa noche nos fuimos al concierto y me gusto tanto que desde ese día me fui comprando todos los álbums de Thin Lizzy, hasta el punto de tatuarme el logo del grupo de su segundo álbum en mi cuerpo.

Pero hoy voy a comentaros Jailbreak editado en 1976, ya que es su álbum más representativo, el lanzamiento definitivo de la banda irlandesa como referencia del hard-rock de los 70. Es el sexto de esta banda irlandesa, que para mi es la mejor de todos los tiempos con esa procedencia. Es normal no conocerlos, pocos bandas han sido dejados de lado y debérseles tanto, teniendo tanto valor en la historia del hard rock.

En su gira americana anterior a la realización de este álbum, junto a grandes como Bob Seger y Bachman Turner Overdrive (BTO) , habían conseguido estar en el panorama internacional, pues ninguna banda o artista lo conseguía sin triunfar en América.

Contiene los míticos temas Jailbreak y The Boys Are Back In Town, y otros no menos destacables como Emerald, Cowboy Song, etc... con letras sobre chicos callejeros, guerreros y fugas carcelarias, también teniendo espacio para el romanticismo.

The Boys Are Back In Town, un gran clásico y uno de los himnos del hard rock británico de todos los tiempos. Fue el primer single y consiguió entrar a lo mas alto de las listas. El tema trata de la historia de unos chicos callejeros y malos. El bajo y las Twin guitars de Robertson y Gorham son impresionantes.

Cowboy Song, aunque no parezca por su inicio, este tema da caña, un auténtico hit de rock, las melodías a doble guitarra te sacuden el espinazo.

Emerald, el corte más duro del disco. Lynott como siempre perfecto, twin guitars y solos por todos lados desde la mitad del tema. Un broche insuperable a todo el disco.

Como nota reseñable, Lynott sufrió una hepatitis que le impidió completar la gira de promoción de Jailbreak por Estados Unidos, lo dejaba a las claras lo que estaba pasando por su vida de excesos.

Phil Lynott - bajo, voz y guitarra acústica
Scott Gorham - guitarra solista y guitarras
Brian Robertson - guitarra solista y guitarras
Brian Downey - batería y percusión

Aquí os dejo dos temas del álbum en directo en el RockPalast.

The Boys Are Back In Town

CowBoy Song

Sticky Fingers - The Rolling Stones

2008-10-20T20:50:00.017+02:00

Acabo de comprarme la versión española de este disco en Barcelona, está salio con la portada que aparece a la izquierda, porque aquí en España censuraron la clásica portada de los pantalones vaqueros diseñada por Andy Warhol, la verdad, de censurar alguna, censuraría esta.

Este magnífico disco se editó en 1971, en él aparece por primera vez el diseño de lengua y labios realizado por John Pasche, que se sería para siempre el gran símbolo de los Stones.

Antes de la publicación del álbum, sacaron el primer single, Brown Sugar, realizada en el nuevo sello del grupo, Rolling Stones Records. Este tema venía acompañado de Bitch en la cara B. En los Estados Unidos se publicó un segundo single formado por Wild Horses y Sway.

Brown Sugar fue compuesta principalmente por Jagger. Su letra es controvertida y ambigua, ¿se refiere a una muchacha de color o a la heroína?, parece claro, a la heroína. El tema de las drogas se maneja en todo el disco, además Keith Richards pasaba por un mal momento con sus problemas de adicción.

Wild Horses es una balada con influencia del Country. Música compuesta por Richards, y letra de Jagger. A esta gran maravilla de canción se le han realizado versiones por doquier, desde Guns N'Roses a The Flying Burrito Brothers, el grupo de Gram Parsons , el cual era un gran amigo de Richards, el cual, publicó su propia versión del tema antes de que lo hicieran los Stones.

Sister Morphine fue escrita por la ex-novia de Jagger, Marianne Faithfull. La canción un poco polémica narra la agonía de un hombre en el hospital, seguramente a causa de sobredosis, y sus deseos de conseguir morfina. El tema fue censurado en España (como no) y sustituida por la versión de Let It Rock.

En este álbum colaboraron grandiosos artistas como Billy Preston (órgano en Can't You Hear Me Knocking y I Got A Blues) y Ry Cooder (guitarra en Sister Morphine)

Cuando se publicó este álbum, el grupo se mudó a Francia, donde elaboraron su próximo álbum, Exile On Main St.

Keith Richards: guitarra eléctrica y acústica, voz
Mick Jagger: voz, percusión y guitarra
Mick Taylor: guitarra
Bill Wyman: bajo, piano eléctrico
Charlie Watts: batería

Os recomiendo ver el vídeo del siguiente enlace, ya que este, no se puede integrar en la web por petición de no se quien, es el tema Wild Horses en directo en el 76.

http://es.youtube.com/watch?v=KQx6YJnF7t8

Y aquí os dejo otros grandes temas del álbum.

Brown Sugar

Wild Horses (Los componentes escuchándola después de la grabación)

Who's Next - The Who

2008-10-04T20:51:00.003+02:00

Para mi uno de los mejores discos de toda la historia, es tan impresionante como el grupo que lo realizó, a estos fenómenos los vi en un concierto en Madrid el año pasado y son increíbles (con tantos tacos encima y la actitud que tienen), Roger Daltery, con su pedazo voz y manejando el micro como nadie, Townshend con la guitarra como si aún fuera un chaval, sin palabras.

Bueno al tema, Who's Next es el quinto álbum de estudio del grupo británico de The Who, publicado en 1971.

Considerado por muchos como el mejor álbum del grupo, fue nombrado como uno de los mejores discos de todos los tiempos por la cadena de televisión VH1, colocándolo en el puesto 13º, y por la revista musical Rolling Stone, alcanzando la posición 28º.

El álbum tiene sus raíces en el proyecto Lifehouse, que Pete Townshend había descrito como "una ópera-rock futurista". El proyecto, por lo visto, demostró ser intratable a determinados niveles y causó conflictos en el grupo, especialmente entre Townshend y el productor del grupo, Kit Lambert. Tras abandonar la grabación de los temas de Lifehouse en New York, el grupo retomó el trabajo en el estudio con un nuevo productor, Glyn Johns, comenzando de nuevo. Si bien el concepto de Lifehouse fue abandonado, algunos retazos del proyecto se mantuvieron vigentes en el trabajo final.

Townshend abandonó el proyecto Lifehouse, pero en años posteriores continuaría desarrollando los conceptos en diferentes álbumes. En 2006, Townshend abriría una página web llamada The Lifehouse Method para aceptar entradas personales de candidatos que pudieran desarrollar autoretratos musicales.

El álbum fue reconocido de inmediato por un sonido dinámico. Se desarrolló en una época que introdujo novedosos avances tecnológicos como la invención pocos años antes, del sintetizador. El resultado fue un sonido absolutamente novedoso para aquella época y que sentó un precedente en la música rock.

Townshend uso los primeros sintetizadores y sonidos de teclados modificados de numerosas formas: como efectos de zumbido en numerosas canciones, notablemente en Baba O'Riley y Won't Get Fooled Again. Asimismo, Townshend modulo el espectro de su guitarra en Going Mobile, dando un distintivo sonido que degenero en un ruido burbujeante al final del tema.

El álbum abre con el innovador Baba O'Riley, que incluye un piano interpretado por Townshend y un violín de Dave Arbus. Titulado en honor del gurú de Townshend, Meher Baba, y del compositor Terry Riley, el tema une la experimentación primeriza de Townshend con los sintetizadores y el sonido hard rock tradicional del grupo. Otros temas más que destacados y reconocidos son la balada Behind Blue Eyes y Won't Get Fooled Again.

La portada, realizada en Easington Colliery, muestra a la banda aparentemente después de orinar en un monolito. En 2003, el canal de televisión por cable VH1 colocó la portada del álbum en la segunda posición de las mejores portadas de todos los tiempos.

Parece ser que hubo una versión rechazada para la portada del álbum que incluía al batería del grupo, Keith Moon, vestido con ropa interior de mujer, peluca marrón y un látigo de cuero.

Roger Daltrey: voz y harmónica
Pete Townshend: voz, guitarra, piano (Baba O'Riley) y sintetizadores
John Entwistle: bajo, coros, piano y voz principal (My Wife)
Keith Moon: batería y percusión

Aquí os dejo unos temazos en directo de este gran álbum.

Baba O'Riley

Behind Blue Eyes

Axis: Bold As Love - The Jimi Hendrix Experience

2008-10-01T17:13:00.016+02:00

Comenzamos está andadura con el segundo álbum de la banda de mi músico preferido, Jimi Hendrix y que contiene a su vez mi canción favorita, Little Wing.

Axis: Bold As Love es el segundo álbum de The Jimi Hendrix Experience, publicado en 1967.

Este álbum, no fue tan revolucionario como el anterior, Are You Experience?, pero es genial, destacó por aspectos técnicos de canciones como Bold As Love. El disco auna una mezcla de estilos, como Blues, Psicodelia, Rock, Funky, Pop...

Los singles no tuvieron tanto éxito como los anteriores, sin embargo, canciones como Little Wing, considerada entre sus canciones más importantes, fue versionada por multitud de bandas, como por ejemplo, Dereck And The Dominoes de Eric Clapton, y también por Steve Ray Vaughan que grabó una magnifica versión instrumental.

En el tema Wait Until Tomorrow colaboraron con sus voces dos grandes, como Graham Nash (CSNY) y Ronny Wood (Faces y Rolling Stones) entre otros.

Todas las canciones fueron escritas por Jimi Hendrix, excepto She's So Fine que fue escrita y cantada por el bajista Noel Redding.

El álbum se coloco en el 5º y 3º puesto en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos respectivamente.

Jimi Hendrix: guitarra, voz, piano, bajo y flauta
Noel Redding: bajo y voz
Mitch Mitchell: batería, glockenspiel y voz (entrevistador en EXP)

Aquí os dejo la magnífica Little Wing grabada en el Royal Albert Hall de Londrés en Stereo, espero que os guste.

Bienvenidos

2008-10-01T16:30:00.006+02:00

Buenas, os doy la bienvenida a o tocata, un blog en el que vamos a tratar de mostrar información interesante sobre la música que nos gusta, centrándonos principalmente en comentarios sobre elepés que nos atraen o nos atrajeron.

El nombre del blog, creo que se puede saber su procedecencia, pero por si acaso la explico, tocata viene de tocadiscos y o es el artículo el en gallego, por lo tanto, o tocata.

Espero que os guste y que lo visitéis.

Nos vemos.

Elepés

2008-10-01T16:15:00.017+02:00

B

Beatles, The
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Bowie, David
Ziggy Stardust

E

Europe
The Final Countdown

F

Faces
A Nod Is As Good As A Wink... To A Blind Horse

G

Guns N' Roses
Appetite For Destruction

H

Hendrix, Jimi
Axis: Bold As Love

M

Metallica
Metallica (Black Album)

L

Led Zeppelin
Led Zeppelin III

R

Rollings Stones, The
Sticky Fingers

T

Thin Lizzy
Jailbreak

W

Whitesnake
1987

Who, The
Who's Next